Ein Italowestern. Aus Japan. Also kein Spaghetti- sondern ein Sukiyaki-Western. Der neue Film von Japans überproduktivem Vielfilmer Takashi Miike ist gleichzeitig Liebeserklärung, Hommage und Parodie auf ein Genre, ist aber ebenso auch ein wilder, poppiger Stilmix aus östlichen und westlichen Traditionen, aus Drama, Tragödie, Action und Klamauk. So wie Sukiyaki eben auch ein Eintopf ist, in den man ziemlich viel reinwirft, alles gut würzt, mischt und durchkocht.
Das Endergebnis schmeckt wirklich lecker, denn Sukiyaki Western Django ist ein äußerst unterhaltsamer Film geworden, der trotz ein paar Längen großen Spaß macht und einiges an Schauwerten fürs Auge bietet. Der Film beginnt mit einem Gastauftritt von Quentin Tarantino als Poncho-tragender Loner, der mit maßlos übertriebenem Coolness-Getue gleich mal den Regler auf 11 stellt, ebenso wie die knalligen Pappkulissen (die es aber nur in der Eröffnungssequenz gibt) und die extrem cheesy Dialoge. Letztere werden über die komplette Filmlänge in englisch vorgetragen, zusätzlich gibt’s auch noch englische Untertitel (wofür man ganz dankbar sein kann, denn die Darsteller sprechen genüsslich mit extrem japanischem Akzent).
Die Story ist nicht wirklich die Rede wert — es geht um einen Kampf zwischen zwei Clans in dem japanischen Dörfchen Nevada (!). Die Roten gegen die Weißen, beide haben es auf einen Goldschatz abgesehen, und es steht unentschieden. Bis der schwarze Reiter, ein schweigsamer Lonesome Cowboy der alten Schule, ins Dorf kommt und die Dinge in Bewegung kommen. Zu sehen gibt es eine Menge, angefangen bei Saloons im Pagodenstil über die irren Kostüme der Clanmitglieder (Tokio Hotel meets Die Toten Hosen) bis hin zu aufwendig gedrehten und rasant geschnittenen Duellen mit Waffen aller Art. Das Samuraischwert kommt ebenso zum Einsatz wie der Colt (der nie, wirklich nie! ohne cooles Um-den-Finger-Wirbeln weggesteckt wird) und schließlich das ultimative Maschinengewehr, das im Sarg transportiert wird und noch ein bis zwei Nummern größer ist als das von Franco Nero im Original-Django.
Miike variiert zwischen gnadenlos übersteigerten, comichaften Szenen (honorable mention: der schizophrene Sheriff, der Selbstgespräche im Gollum-Style führt) und ernsthaften, an Shakespeare-Dramen erinnernden Abschnitten. Nicht immer passt das nahtlos zusammen, stört aber auch nicht allzusehr. Insgesamt überwiegt klar der komödiantische Aspekt, das postmoderne Spiel mit dem Trash und mit Zitaten, so dass Sukiyaki Western Django über weite Strecken einfach ein herrlicher Schmarrn von Filmfreaks für Filmfreaks ist. Als solcher würde er sich sicher auch prima als dritter Film zum Grindhouse-Doppelpack passen, nicht nur wegen Tarantinos Gastrolle.
Auf die DVD warten: Le scaphandre et le papillon (Schmetterling und Taucherglocke): Von allen Seiten gelobtes Drama von Julian Schnabel. Verfilmung der Autobiographie, die ein Ex-Elle-Chefredakteur per Augenblinzeln diktiert hat, nachdem er nach einem Schlaganfall komplett gelähmt war. Keine leichte Kost, aber bestimmt sehenswert. Und mit einem tollen Titelsong!
Half Nelson: Indie-Drama mit Ryan Gosling, der dafür (bereits im letzten Jahr) für den Oscar nominiert wurde. Gosling spielt einen idealistischen, aber drogensüchtigen Lehrer in Brooklyn, der sein Geheimnis mit einer seiner Schülerinnen teilt.
Princess: Lief vor einem Jahr bei den Fantasy Filmfest Nights und jetzt doch noch im Kino. Zeichentrick-Realfilm-Mix über den Rachefeldzug eines Priesters und eines kleinen Mädchens gegen die Pornoindustrie. Auf jeden Fall was ungewöhnliches.
Vielleicht mal im Fernsehen: Meer is nich: Bei den Stichworten “Deutscher Film” und “Frauenband” wird man ja immer gleich unangenehm an Bandits erinnert. Das hier sieht aber sympathischer aus: Coming of Age in Thüringen, mit einer großen Portion Rock’n'Roll.
Jumper: Hayden Christensen, den wir alle noch von den Star-Wars-Prequels in schlechter Erinnerung haben, als Actionheld, der sich teleportieren kann. Belangloses Popcorn-Kino, vielleicht ganz unterhaltsam.
Kontakt: Deutsch-mazedonische Koproduktion, eine angenehm raubeinige Liebeskomödie vom Balkan.
Muss nicht sein: Definitely, Maybe (Vielleicht, vielleicht auch nicht): Romanze der halbwegs erträglichen Sorte. Aber nix für mich.
The Game Plan (Daddy ohne Plan): Urgs. Disney-Komödie mit dem alten Strickmuster “unfähiger Vater muss sich um naseweises Kind kümmern”. Mit dem Ifflandring-Träger Dwayne “The Rock” Johnson.
Texas, mitten im Nirgendwo. Hier lebt Llewelyn Moss mehr schlecht als recht in einem Trailerpark. Per Zufall stößt er auf den Tatort eines Gemetzels zwischen Drogenhändlern und findet dort einen Koffer voller Geld.
Jemand findet oder nimmt sich etwas, was ihm nicht gehört, und jemand anders ist damit nicht einverstanden. Auf diese Grundformel lässt sich so ziemlich jeder Film der Coen-Brothers reduzieren. Diesmal spielen sie die Verfolgungsjagd, die auf das Koffermopsen folgt, härter und erbarmungloser und weniger witzig durch, aber dennoch auf eine sehr Coen-typische Weise, die nach den eher mainstreamigen und mittelprächtigen Intolerable Cruelty und Ladykillers hier endlich wieder voll aufgeht.
Es sind die einzigartigen Typen, die einen Coen-Film ausmachen. Hier haben wir Moss (Josh Brolin), der den coolen Hund markiert, aber weniger drauf hat, als er zugeben mag. Wir haben Tommy Lee Jones als Sheriff Bell, der alt wird und langsam die Schnauze voll hat. Wir haben viele kleine kauzige Nebenfiguren mit herrlichen, lakonischen Dialogen. Und wir haben Anton Chigurh, gespielt von Javier Bardem, der Moss verfolgt und das Geld zurückholen soll.
Chigurh ist ein Killer, gewissenlos, gefühllos, skrupellos. Ungerührt mordet er sich durch das Land, eiskalt auf seinen Auftrag fixiert, Kollateralschäden sind ihm völlig wurscht. Man kann schon Angst bekommen vor diesem Typen mit der Joey-Ramone-Gedächtnisfrisur. Ein unberechenbarer, verrückter, gefährlicher Mann. Und man kann als Zuschauer kaum anders, als diesen Chigurh zu lieben. Nicht als Sympathieträger, wirklich nicht. Dafür sorgen schon die beiden Eröffnungsszenen, die Chigurh als jemanden definieren, dem Menschenleben völlig egal sind. Man liebt ihn als Figur, als eine neue Kino-Ikone, so wie man vielleicht einen Travis Bickle oder einen Dirty Harry auf ‘ne Art ins Herz schließt. Javier Bardem ist großartig in dieser Rolle, und es ist ein Genuss, ihm zuzusehen. Wenn Chigurh schwerverletzt eine Apotheke entert und sich anschließend selbst verarztet, dann ist das eine dieser großartigen Filmszenen, die man immer und immer wieder sehen möchte.
Viel eher der Sympathieträger, vielleicht ja auch die Hauptfigur des Films, ist Sheriff Bell, auch wenn er erst in der zweiten Filmhälfte richtig ins Spiel kommt (die erste Hälfte gehört ganz dem Duell Chigurh - Moss). Tommy Lee Jones (der mit jeder Gesichtsfalte cooler wird), gibt ihn als nuschelnden Südstaatler, der kopfschüttelnd zusieht, wie die Welt um ihn herum immer mieser wird und er als “Law-Man” immer weniger ausrichten kann. Das ist kein Land für alte Männer, stellt er fest, und will als letztes gutes Werk vor der Rente zumindest noch Moss aus der Scheiße holen, in die er sich reingeritten hat.
In Genreschubladen lässt sich der Film kaum einordnen. Er ist eine Art moderner Western, sein knorriges, wortkarges Personal könnte man auch bei Sergio Leone finden. Er hat aber auch einen Noir-Touch und natürlich ist es auch ein Thriller. Stellenweise kommt eine Irrsinnsspannung auf, die ein Hitchcock auch nicht besser hingekriegt hätte. Das fast wortlose Aufeinandertreffen von Moss und Chigurh in einem Hotel ist großartig inszeniert und wunderbar gefilmt. Aber das trifft eigentlich auf den ganzen Film zu.
No Country For Old Men ist kein Film für den großen Box-Office-Erfolg, dazu ist er, trotz des immer wieder aufblitzenden Humors, zu gewalttätig, zu wortkarg, zu finster und happy-end-frei. Um so schöner ist es da, dass er trotzdem den großen Oscar-Erfolg hatte und Hollywood, wie es Joel Coen in seiner Dankesrede ausdrückte, die Coens in ihrer speziellen Ecke des Sandkastens spielen lässt. Mögen sie noch lange dort spielen.
Im Kino sehen: Juno: Eine 16jährige wird schwanger. Teilweise als “This year’s Little Miss Sunshine” bezeichnet, was für die einen eine Drohung, für andere ein Versprechen ist. Ich freu mich drauf.
Auf die DVD warten: Das Verhör: Ohne Fördergelder gedrehtes Indie-Projekt, das zuerst als VHS-Amateurfilm gedreht und nach einem lokalen Erfolg im Raum Dresden nun komplett neu verfilmt wurde. Ein Kammerspiel um die Konfrontation eines Einzelnen mit einem autoritären Staat. Läuft nur mit 1 oder 2 Kopien.
The Spiderwick Chronicles (Die Geheimnisse der Spiderwicks): Der nächste Versuch, ein einträgliches Fantasy-Franchise aufzubauen. Sieht ziemlich hübsch aus, ist allerdings stark auf Kinder ausgerichtet.
Vielleicht mal im Fernsehen: Du Levande (Das jüngste Gewitter): Schwedische Skurillitäten, die so laut “ich bin skurill, ich bin schräg” schreien, dass es schon ein bisschen zuviel ist.
Dan in Real Life (Dan - Mitten im Leben!): Wohlfühl-Comedy für die ganze Familie mit Steve Carell und Juliette Binoche. Nett, aber harmlos und im Kern eher spießig.
Die Anruferin: Deutsches Psychodrama aus der Ecke “Kleines Fernsehspiel”. Es geht um eine Frau, die fremde Leute anruft und sie mit frei erfundenen tragischen Geschichten manipuliert. Hat irgendwie was.
Absurdistan: Veit Helmer spielt Balkan und dreht eine Arthouse-Komödie, in der die Frauen wie in Lysistrata in Sexstreik treten.
Muss nicht sein: Die Österreichische Methode: Episodenfilm von fünf jungen Regisseuren, und wieder einer dieser deutschen Filme, deren Personal nur aus Psychowracks zu bestehen scheint.
Heya fawda (Chaos): Ägyptischer Film mit korrupten Beamten und starken Frauen.
One Missed Call (Tödlicher Anruf): Das hundertste US-Remake vom hundertsten japanischen Geisterhorror. Diesmal kommt der Tod aus dem Handy. Braucht kein Mensch.
“Based on the lives and music of Bob Dylan” heißt es im Vorspann, ansonsten fällt der Name kein einziges Mal. Den Plural in “lives” nimmt Autor und Regisseur Todd Haynes wörtlich: Hier geht es nicht um ein Leben, eine Karriere, Aufstieg und Fall und Comeback, wie man das aus zahlreichen konventionellen Biopics kennt. Nein, I’m not there ist in keiner Weise linear, erzählt keine stringente Geschichte, sondern funktioniert eher wie ein Fotoalbum, in dem man blättert, vor- und zurückspringt.
Haynes geht davon aus, dass Bob Dylan, der Musiker, Künstler, Poet, Schauspieler, sich im Laufe seines Lebens immer wieder völlig neu erfunden hat und immer wieder die Erwartungen seines Publikums unterlaufen hat. Das macht auch der Film. Die Idee, dass es den einen Bob Dylan nicht gibt, setzt Haynes radikal um, indem er sieben Schauspieler in die Rolle schlüpfen lässt und ihnen auch noch verschiedene Rollennamen gibt. Zum großen Teil sind das sehr bekannte Hollywood-Stars (Cate Blanchett, Richard Gere, Christian Bale und Heath Ledger in einer seiner letzten Rollen), die automatisch auch noch einen Teil ihrer eigenen Star-Aura einfließen lassen. Schon allein dadurch geht der Film ungewöhnliche Wege, aber das reicht Haynes noch nicht aus: Die verschiedenen Schaffensphasen Dylans bekommen nicht nur eigene Darsteller, sondern auch einen eigenen visuellen Look und einen eigenen Erzählstil, und obendrein werden sie nicht als einzelne, hintereinander abfolgende Kapitel erzählt, sondern wild durcheinander gemixt und ineinander verwoben.
Das Ergebnis ist ein experimenteller Film, der nicht ganz einfach zu konsumieren ist, der aber trotzdem keine unzugängliche Kunstkacke ist: Trotz allem bleibt der Film relativ leicht zugänglich — das mag an der geballten Starpower liegen, oder auch daran, dass Haynes eine große Lust am Erzählen hat und dies auch sehr gut kann.
Wenig Freude an dem Film werden vermutlich die Hardcore-Bob-Dylan-Enthusiasten haben, die jedes Fitzelchen seiner Biographie kennen und mit den erzählerischen Freiheiten, die Haynes sich nimmt, ihre Probleme haben dürften. Wer dagegen Bob Dylans Musik mag und ein bisschen was über ihn weiß, dem dürfte der Film gut gefallen. Und je mehr man mit der Popkultur der letzten 40 Jahre vertraut ist, desto mehr Chancen hat man, einige der unzähligen Anspielungen und Referenzen, die Haynes eingebaut hat, zu erkennen und sich smart zu fühlen.
Wer nie was mit Dylan zu tun hatte, könnte sich zunächst schwer tun, kann den Film aber auch als generelles Porträt eines unverstandenen Genies und seines Kampfes mit einem Starstatus wider Willen lesen. Und für Cineasten, die sich an ungewöhnlichen Blickwinkeln und Ideen erfreuen, ist der Film ein großes Fest. Es gibt zahlreiche Bilder und Szenen, die hängenbleiben werden: Schon allein die visuelle Umsetzung des Schocks, den Dylan auslöste, als er 1965 auf einmal elektrisch verstärkt spielte, ist genial. Definitiv ein Film zum Öfter-als-einmal-sehen.
Minireviews zu unlängst gesehenen DVDs, in komprimierter Kurzform:
Zodiac von David Fincher ist ein Serienthriller-Film, basierend auf einem wahren (bis heute ungelösten) Fall, der sich vor allem auf die Ermittlungsarbeit konzentriert. Neben dem zuständigen Polizisten konzentriert sich der Film auf zwei Presseleute: Einen alkoholabhängigen Journalisten (glänzend gespielt von Robert Downey Jr.) und einen Karikaturisten (Jake Gyllenhall) vom San Francisco Chronicle. Im Mittelpunkt steht die Ermittlungsarbeit, nicht der Mörder und seine Taten. Ein für Fincher sehr untypischer, klassisch erzählter, erwachsener Krimi, der sich sehr viel Zeit nimmt und mit zweieinhalb Stunden etwas zu lang ist. Das nötige Sitzfleisch bringt man aber gerne auf, weil Fincher es versteht, von Anfang an sehr viel Spannung zu erzeugen. Außerdem erzeugt der Film eine tolle Atmosphäre und versteht es sehr gut, die 70er Jahre in der Gegend um San Francisco zum Leben zu erwecken.
The Queen von Stephen Frears erzählt von der Reaktion des britischen Königshauses auf den Unfalltod von Diana. Queen Elizabeth, die zu der Zeit gerade auf ihrem schottischen Landsitz weilte, begegnete dem Thema zunächst mit Indifferenz. Was geht’s uns an, die gehört doch eh nicht mehr zur Familie. Doch Di war immerhin die Mutter ihrer Enkel und Thronfolger, und außerdem reagierte das britische Folk ganz anders als die Queen erwartet hätte. Es ist letztlich Tony Blair, damals frisch gewählter Prime Minister, der die Queen sanft aber bestimmt in eine Richtung schubst, die er für die bessere hält. The Queen bietet faszinierende Einblicke ins Privatleben sowohl der Queen als auch von Blair (auch wenn die natürlich inszeniert sind, sie wirken aber sehr glaubhaft) und schöne Effekte, die sich ergeben, wenn Blair als totaler Gegenpol zur Königin dargestellt wird. Man könnte The Queen als Doku-Drama bezeichnen, wenn das nicht so sehr nach Guido Knopp klänge. Im Endeffekt ist der Film, nicht zuletzt wegen der fantastischen Helen Mirren als Queen, einfach großes Kino. Auf eine ganz eigene Weise fesselnd, stellenweise sogar recht witzig, und durch und durch britisch.
Flirting with Disastervon David O. Russell stammt aus dem Jahr 1996. Ich kannte den Film noch nicht, da er aber immer wieder bei diversen Fernseh-Tipps empfohlen wurde, hab ich mir mal die DVD besorgt. Ben Stiller gibt einen Woody-Allenesken neurotischen Charakter, der auf der Suche nach seinen leiblichen Eltern ist, und natürlich erst mal bei ein paar Versuchen an die falschen gerät. Daraus entspinnt sich eine turbulente Reise voller Missverständnisse und Missgeschicke und Beinahe-Seitensprünge. Der Film beginnt sehr charmant mit viel Dialogwitz, driftet aber am Ende immer mehr ins inszenierte Chaos ab, das für meinen Geschmack etwas zu überdreht war. Mancher Gag wurde ein bisschen totgeritten (Ja, Mrs. Schlichting klingt wie Shitking, wir haben’s kapiert). Außerdem hätte es das plötzliche Happy End nicht gebraucht. Durchgehend toll sind dafür die Schauspielerleistungen, besonders Patricia Arquette als Jung-Mami und der alte M.A.S.H.-Haudegen Alan Alda als Stillers Vater. Nette Unterhaltung.
Nicht auf DVD gesehen, sondern vor etlichen Wochen beim Münchner Europafilmfest: Big Nothing vom Kanadier Jean-Baptiste Andrea. Eine schwarze Komödie, die das Genre nicht neu erfindet, aber einigen Spaß macht: Es geht um einen vermeintlich todsicheren Deal, der natürlich von Anfang an Quatsch war und fürchterlich schief geht, die Protagonisten reiten sich immer tiefer in die Scheiße und den ein oder anderen kostet das das Leben. Filmen wie Very Bad Things nicht unähnlich, lebt Big Nothing von seinem makabren Humor und dem Gefühl, dass jederzeit alles passieren kann. Weiterer Pluspunkt: Simon Pegg, der hier erstmals im Gespann mit Friends-Star David Schwimmer auftritt (später führte Schwimmer Regie beim Pegg-Film Run, Fatboy Run, der bald in unsere Kinos kommt). Big Nothing hat nicht die Klasse der Komödien, die Pegg mit Edgar Wright gemacht hat, ist aber für Freunde schwarzen Humors sehr zu empfehlen.
Den hier wollte ich noch nachliefern, obwohl die Sichtung schon wieder ein paar Wochen zurückliegt. Charlie Wilson’s War von Mike Nichols fand ich nämlich sehr gelungen. Der Film basiert auf einer wahren Geschichte, die so merkwürdig ist, dass sie nicht gerade glaubwürdig wirkt. Wilson war ein texanischer Kongress-Abgeordneter, der seine Beziehungen spielen ließ und so für einen großen Teil der Finanzierung der Mudschahedin sorgte, die in den 80er Jahren in Afghanistan Widerstand gegen die sowjetische Besatzung leisteten.
Wilson war kein braver Vorzeigepolitiker, sondern ein Lebemann, der seine Freizeit gerne mit Schampus im Whirlpool verbrachte und seine Sekretärinnen (augenzwinkernd “Charlie’s Angels” genannt) nach Oberweite castete. Auf Initiative einer reichen Kommunistenfresserin sorgt er dafür, dass die Mudschahedin von den USA großzügig gesponsert werden und dass das alles nicht an die große Glocke gehängt wird, sondern ein “covert war” bleibt.
Der Film versucht glücklicherweise nicht, sich an den dümmsten anzunehmenden Zuschauer zu wenden, sondern springt mitten rein ins Geschehen, ohne allzuviel Hintergrund zu erklären, setzt also beim Zuschauer etwas Vorwissen voraus. Überhaupt gehört Charlie Wilson’s War zu den Filmen, die dem Zuschauer selbst das Denken überlassen und einem die Moral von der Geschicht nicht fingerdick aufs Butterbrot schmieren. Und eine Moral gibt es sehr wohl: Nichols stellt zweifellos klar, dass das keine Geschichte aus der Vergangenheit ist, damals im Kalten Krieg, die mit dem Abzug der Sowjets abgeschlossen und abgehakt war. Für die USA war damals der Fall erledigt. Es gibt eine Szene am Ende, in der Wilson eine vergleichsweise kleine Summe für afghanische Schulen aufbringen will, um dort das Pflänzchen der Demokratie zu stärken. Abgelehnt. Der Film endet mit einem Wilson-Zitat: “These things happened. They were glorious and they changed the world … and then we fucked up the endgame.” Letztlich hat man sich damals die Feinde von heute selbst gezüchtet.
Inszeniert ist diese Geschichte als Mischung aus ernsthaftem Drama und Satire. Trotz des dunklen Themas gibt es eine Menge zu lachen. Wobei Drehbuchautor Aaron Sorkin (West Wing) vermutlich gar nicht allzu sehr an der Ironieschraube drehen musste, denn die Ereignisse und Protagonisten sind, so ernst ihr Hintergrund auch ist, schon absurd genug. Getragen wird der Film nicht zuletzt durch seine gute Besetzung. Tom Hanks zeigt mal wieder, dass er was draufhat, wenn er nur will, und Philip Seymour Hoffman ist absolut großartig als dicker, miesepetriger CIA-Mann mit griechischen Wurzeln.
Charlie Wilson’s War ist einer dieser Filme, die auf ihre Weise lehrreich sind, sogar eine moralische Botschaft vermitteln, dies aber auf eine sehr unterhaltsame Art und Weise tun. Ernste Themen leicht zu vermitteln und damit ein großes Publikum zu erreichen, das war mal das Spezialgebiet des New Hollywood, heute findet man es nur noch sehr selten.
